Why I sold my POD HD300 and kept the Boss ME70

I think it is ok to say with confidence that the new generation of Line 6 HD amp modeling sounds amazing – and a lot better than their previous devices and most of what the competition is doing. That includes Roland/Boss‘ own COSM technology.

A couple of months ago I bought a used Boss ME70 which is basically a multi effects COSM-powered device with a stompbox-mode and individual (separate!) controls for every parameter. That means that I can access, say, the distortion or chorus directly. I love that because I don’t think in „sound banks“ as most other guitarists seem to do. I was happy with the unit, absolutely aware that it does not sound perfect. But it does its job as a tool and keeps me composing.

Then, by accident (I swear!), I bought a used POD HD300. It sounds amazing, absolutely fantastic. It also has a stompbox-mode and the amp modeling sounds a lot better. Not only can you chose your desired amp but also the cabinet, microphone and early reflections as well as sag, bias and hum – quite technical stuff that concerns the characteristic behaviour of old tube equipment. It even features a simulation of an ENGL amplifier which I totally love. But for several days this device made me so antsy that I had to sell it despite its clear superiority to my ME70. Why?

Because it kept me from making music and got me tangled up in an endless setup-loop. Do I use the XXL cabinet or the treadplate? The SM57 or the 421? Or the ribbon mic? They both sound great. Which one is better? To cut a long story short: The POD offers so many options that I suffered from what Barry Schwartz would call the paradox of choice: According to his theory, the greater the number of choices is in a certain situation, the more unhappy we will be with our choice afterwards. I think Barry is right. Instead of settling with what I got (as with the ME70) I was constantly fretting about whether I got the best sound.

The POD is a great device but it makes me play with sound instead of composing music. That’s why it had to go.


Last night I gave up perfectionism.

I’ve been an active musician for more than 16 years now and I did not really release a lot of tracks. Actually, I did not release a single track that was supposed to represent me as a musician. There have been a few jams, a few fun projects and demonstrations, sure. But never did I say: „Here, this is mine. This is what I do as a musician.“

No single piece of an artist’s work is able to communicate his or her development.

There are two reasons for this.

Reason number one is that just like I am interested in a lot of different things, arts and crafts, I am interested in a lot of different musical styles. I just did not want to commit to just one style by releasing, say, a Heavy Metal tune.

Reason number two is much more sneaky. I consider(ed?) myself a perfectionist. With that comes a dogma: As a perfectionist I won’t release anything that I think is not perfect. The irony of this is that I won’t ever release any of my music because as soon as I am done recording it, I already know what I would do better next time. And no matter how good I think my work is, I will never think that it can hold up to the standards of musicians I adore anyway. Of course.

So last night I gave up perfectionism. Perfectionism as in: doing something as good as humanly possible. Because in the end it’s a matter of definition. I confused perfectionism with being a good craftsman, doing things thoroughly, with care and to the best of one’s knowledge. From now on, for me perfectionism is just that: doing something as good as possible as I am able to do at that particular moment. That does not exclude a handful of corrections and revisions. But it definitely does exclude the fear of publishing my work, the fear of shipping, the fear of, as an artist, being and representing who I am with the skills that I have.

No single piece of an artist’s work is able to communicate his or her development. There will always be those who judge based on single works, unable to see the development artists might be going through. Obviously it took the musician in me quite some time to realize that I don’t give a damn about those kinds of people.

Being who I am, I constantly strive for improvement of my skills, enrichment of my knowledge and broadening of my understanding. I define perfectionism as the striving for perfection. And I strive for perfection because it is the one and only thing I will never be able to reach.

My friend the squirrel

I had a dream recently…

…I was on my way to visit my friend the squirrel. The squirrel, you must know, lives on a small, corny Disney-castle-styled tower on a tiny island that’s located not too far from the shore on a gigantic lake. For no apparent reason, this lake is ice-cold all year long with huge blocks of ice swimming in it.

The squirrel, you must know, lives on a small, corny Disney-castle-styled tower on a tiny island.

Anyway, on my way there I had had to cross the lake, obviously. As I was sitting in my wooden boat, slowly canoeing to my destination, I passed by one of those big blocks of ice and took a closer look at it. Something strange was protruding out of it. Kind of like a sponge with very tasteful colors so I touched it and tried to pull it off the block. I did. I broke of the sponge-like structure and revealed what was lying below: The face of the Yeti. I had just ripped off his beard and he looked very angry, though still frozen in the ice.

I knew then that I would have to leave before the ice started to melt and when I just started to continue my journey, I saw another block of ice drift by. This one had Godzilla inside. Or someone similar, at least he (or she?) had a reptile skin on the back side so it might have been a crocodile. That does not really matter because I really had to see my friend the squirrel now to warn him.

When I arrived and hastened into his tower, he immediately understood the imminent danger and we left to find refuge in one of his previous domiciles. It was a small, two storied tree house on the mainland, too small for me to stretch out but we were safe there. But it was cold outside and uncomfortable so…

…I woke up. No, I did not smoke anything and I have no clue what this dream was about. Funny what the mind comes up with sometimes.

I don’t believe there’s a deeper meaning to every dream. This one was rather vivid and I enjoyed the details a lot. And the fact that I can remember it.

Into the depths

For a long time I have tried to figure out what aspects of a movie, a video game, a book or a song are important to me. I just couldn’t find a coherent thread – until now.

I am a passionate music fan. And though I love Heavy Metal, I would not consider myself a metalhead because I don’t like all of Metal music, just a few bands. But I also love Hard Rock and Rock music and I would not want to live without the occasional classic piece, folk tune, country song. I have not even started to really explore the latter genres but I already know these offer music that deeply touches me.

In order to dive into something, there needs to be depth – makes sense, doesn’t it?

It’s not so much different for other media: My taste is not restricted to a particular genre and that makes it terribly hard to find new art I love. I recently started to read high fantasy books again, which I hadn’t done for about 15 years. Quite soon I noticed that I enjoy this a lot as well. Do I like everything high fantasy? Certainly not.

And so I came to the conclusion that for me it’s not about genre, theme or medium. It’s about depth. I like depth and in order to dive into something, there needs to be depth – makes sense, doesn’t it? That’s why I love the music of, let’s say, Blind Guardian: Because it’s so deep, there’s so much to explore, so many details to adore. And I think that’s the reason why movies like The Lord of the Rings or the Harry Potter series, even years after their initial release, are so breathtakingly successful despite their lack of (then-) star actors in main roles: The creators took great care of each and every detail. Every aspect of the world has been thought of, corners of the sets no one will ever see in the final movies received the same attention and love as the main features. Sure, a lot of money was spent on marketing. But what about Eragon? Star actors, big marketing budget, big PR but no longevity. People will not talk about Eragon five years from now. But everyone will still talk about the Lord of the Rings movie trilogy (not to mention the book itself).

It occurs to me that in the long run it really is all about the depth of a piece of art. No matter what medium, no matter what technology: Without depth, there’s nothing to dive into. In a world and society as crazy and messed up as ours, people are looking for ways to escape their daily routine every now and then. Modern TV and most of the internet hypnotize and control but they do not offer refuge the way deep art does. Art created by individuals who love their work passionately. Art that inspires not only us but also our kids, motivates them to pick up the pen, brush or guitar themselves and create new worlds for others to relish.

It is depth that prevails in the long run. Not size, not quantity, not volume.


Where credit is due…

I am very proud of these two photos I took at a Motorjesus gig a week ago. I think they are pretty good. Well, kind of terrific even. Then again – I just pushed a button.

Can there be art without intention?

Come on, neither was I responsible for the lighting, nor for the fog. Also, it was not me who struck this tight in-your-face pose. I just love heavy live music, each and every aspect of it. It just so happened that I had a photo camera with me. I gave it a shot, took a few pictures and that was it. Not only do I love heavy live music, I also love good music documentation. But still, is documenting a live event –any kind of live event for that matter– really an art form? If you do not know what will happen next and you take your job of purely documenting seriously, you can in no case have any intentions as far as image composition is concerned. And can there be art without intention? This is not meant to devaluate any kind of documentation. But isn’t documentation much more craft than it is art?

Der Gedanke zählt

Wer Mitte der neunziger Jahre geboren wurde, wuchs mit Toy Story und The Matrix auf, spielte Videospiele, die Jurassic Park nach primitivster Technik aussehen ließen und wurde dauerbeschallt von Musik, die ohne Digitaltechnik nicht produzierbar wäre. Eine Trilogie wie Star Wars 4-6 anzuschauen scheint mit diesem Hintergrund angesichts der steinzeitlich anmutenden Produktionsmethoden unvorstellbar: Zu unglaubwürdig wirken die Miniaturen, zu „billig“ sehen die Sets aus. Jimi Hendrix klingt nicht modern genug und Space Invaders… aber lassen wir das.

Inhalte verschwinden hinter Formen — Ist das auf Dauer erstrebenswert?

Nein, früher war keineswegs alles besser. Offensichtlich hat die Welt sich gewandelt. Besonders im Bereich Film und Musik stehen heute jedem Kreativen viele Mittel und Werkzeuge zur Verfügung, die man sich vor dreißig Jahren nichtmal hätte träumen lassen. Kostengünstige, leistungsstarke Kompaktstudios, Geräte von der Größe eines Buchs, bieten mehr Produktionsmöglichkeiten als den Beatles für das vielzitierte Album Sgt. Peppers… zur Verfügung standen. Hochwertige HD-Camcorder und umfangreiche Software ermöglichen die Filmproduktion im Kinderzimmer und wer mag, der benutzt Blender als kostenfreie Software zur Produktion von 3D-Animationsfilmen oder Spezialeffekten.

Verlockend ist da die Spielerei, die technische Ausschweifung: Hier noch ein Effekt, dort noch ein Bisschen Politur und da noch ein Bisschen nachbessern. Oder vielleicht doch nochmal anders arrangieren? Eine andere Schnittfolge könnte doch auch gut wirken?! Nicht nur droht hier schnell die digitale Paralyse einzusetzen, sondern der Fokus verlagert sich vermehrt weg vom großen Ganzen und hin zu exzessiver Arbeit am Detail.

Der Blick für das Gesamtwerk geht verloren, entsprechend scheint sein Stellenwert zu sinken. Spätestens beim Vergleich zwischen den neuen und den alten Star Wars Filmen wird das offensichtlich. Dies spiegelt sich auch in der Berichterstattung wider; so ist oft nur noch zu lesen von „druckvollem Sound“, „brilliantem Bild“ und „sensationellen Effekten“. Produktionen, die von vornherein nicht auf diese Eigenschaften abzielen, werden immer schneller als Kunst für Randgruppen zur Seite gedrängt. Eine solche Verlagerung lässt sich anhand der letzten 40 Jahre Film- und Musikgeschichte durchaus feststellen.

Es liegt gewiss auch an den veränderten gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Gegebenheiten, dass das vergangene Jahrzehnt kaum neue Rockbands vom Kaliber AC/DC oder Van Halen hevorgebracht hat. Vielleicht ist die Zeit der großen Super-Rockbands vorbei. Dennoch schadet es nicht, sich die Basis anzuschauen, auf der so lang andauernde Erfolge, so universell anerkannte, kulturell einflussreiche Institutionen wie Led Zeppelin, 2001, Elvis oder Charlie Chaplin aufbauen. Niemand stellt diese in Frage wegen mangelhafter Aufnahmetechnik, rauschenden Tonspuren oder mangelhaft umgesetzter Spezialeffekte. Großartige Künstler haben großartige Kunstwerke geschaffen, die technisch nach heutigen Maßstäben keinem Vergleich und keiner Kritik standhalten würden. Und doch haben sie sich durchgesetzt, haben Generationen begeistert und inspiriert.

Liegt das vielleicht daran, dass diese Künstler sich weniger Gedanken um die dürftige Technik gemacht haben, als um ihr eigentliches Werk? Eine Garagenband hatte vor dreißig Jahren nicht die Wahl zwischen 8, 16 oder 32 Spuren zur Produktion ihres Demos. Der Stand der Technik wurde nicht angezweifelt und die Gegebenheiten akzeptiert. Mir scheint, heute würde so viel Wert auf perfekte Produktionsbedingungen gelegt, dass dabei der eigentliche Inhalt zu wenig Aufmerksamkeit erhält und dadurch an Qualität einbüßt.

Die Bildqualität des Films siegt über die Geschichte, die Tonqualität über den eigentlichen Song. Inhalte verschwinden hinter Formen. Vielleicht ist dies nun Teil der Kultur. Vielleicht zählen Ideen nicht mehr und weichen den Medien. „Das Medium macht den Inhalt“ wurde schon Marshall McLuhan zitiert. Ist das auf Dauer erstrebenswert?

Der Wandel der Hörkultur

Mit Einführung der CD Anfang der 80er Jahre wandelte sich auch die Hörkultur. Die Häufigkeit, mit der einzelne Songs auf Alben übersprungen wurden, stieg dank ‚Skip‘-Funktion stark an. Was vormals noch durch heutzutage unbequem aufwändige, manuelle Koordination der Hände am Tonarm des Plattenspielers vorgenommen werden musste, ging nun bequem sogar per Fernbedienung. Hat dies vielleicht die Toleranz für mittelmäßige Songs auf Alben erhöht? Wurden seitdem in der Folge vielleicht wesentlich mehr solcher „Füller“ auf Alben gepresst, in Ausnutzung eben dieser gewachsenen Toleranz und ist dadurch die musikalische Qualität so manchen Albums gesunken?

Ist die Bandbreite der musikalischen Ausdrucksmöglichkeiten nicht stark gesunken?

Rund ein Vierteljahrhundert später tritt mp3 seinen Siegeszug an. Völlig abgesehen vom totalen Umsturz in Hinblick auf Urheberrechtsverwertung, Verkaufszahlen und Geschäftsmodelle brachte auch dieser technische Fortschritt eine erneute Änderung der Hörgewohnheiten mit sich. Es ist für Musikfans alles andere als unüblich geworden, eine CD sofort nach dem Kauf als ganzes Album in das MP3-Format zu bringen und danach direkt in den Schrank zu stellen, wo sie womöglich nie wieder angefasst wird. Das Album besteht nun als eine oder zwei handvoll Dateien auf einer Festplatte mit tausenden Artgenossen.

Diese Dateien sind durch die abspielende Software alle gleichermaßen schnell erreich- und abspielbar. Nicht selten kommt nun die Zufallsfunktion zum Einsatz. Wo 25 Jahre zuvor noch ein CD Player mit der gleichen Funktion ein Album in veränderter Reihenfolge abspielte, wird nun mit der gesamten Musiksammlung nach dem gleichen Prinzip verfahren. Alben werden aus dem Kontext gerissen, auf Grave Digger folgt Chopin, folgt Thin Lizzy, folgt Alicia Keys.

Aus dem Kontext gerissen? Ich denke schon, denn auch wenn es sich nicht um ein Konzeptalbum handelt, so machten sich Musiker zumindest in der Vergangenheit durchaus Gedanken um die Songreihenfolge, die gesamte Dramaturgie und Wirkung ihres Albums. Selbst wenn Bruce Dickinsons „Chemical Wedding“ nicht thematisch von Blake-inspirierten Texten getragen würde, würde die im letzten Song wieder aufgegriffene Melodie aus Track #2 einen gespannten Bogen beenden.

In der Folge werden musikalische Werke vermehrt scheinbar zusammenhangslos, bekommen weniger Zeit, eine Wirkung zu entfalten. Eine gewachsene Herausforderung nicht nur an den schöpfenden Musiker, sondern meist unbewusst auch an den Hörer, der möglicherweise musikalischen Spannungen ausgesetzt wird, die keine Auflösung im Kontext eines kontinuierlich gehörten Albums mehr finden. Löst dies beim Hörer womöglich gar unbewusst Stress aus?

Und was ist mit der Forderung an den Musiker? Reicht es in diesem Zusammenhang aus, jeden Song wie eine Singleauskopplung zu behandeln? Ist die Bandbreite der musikalischen Ausdrucksmöglichkeiten nicht stark gesunken durch die nun zugrundeliegende Annahme, dass ein Album als solches möglicherweise nie wieder im Zusammenhang gehört wird und folglich als künstlerisches Werkzeug nicht mehr zur Verfügung steht?


Die Möglichkeiten der Selbstdarstellung und Präsentation sind besonders in den letzten paar Jahren durch das Internet und die damit entwickelten Werkzeuge entschieden mächtiger und vielfältiger geworden. Zwischen dem Knipsen eines Fotos und der weltweiten Veröffentlichung bei Facebook liegen oft nur noch wenige Sekunden.

Das dürfte diesbezüglich der vorläufige Höhepunkt einer Entwicklung sein, die durch das gern genannte „Web 2.0“ stark geprägt wurde. Facebook, MySpace, Twitter sind die aktuellen Zugpferde einer Generation von Künstlern, der erstmals diese scheinbar unendlichen und gewaltigen Möglichkeiten hat, gehört, gelesen und gesehen zu werden. In der Tat scheint die Zahl und Vielfalt der so zu findenden Künstler überwältigend zu sein. Beinahe im Minutentakt werden neue Bands oder Projekte gegründet binnen kürzester Zeit wird ein Demo aufgenommen und in das Internet gestellt. Und dabei bleibt es dann meist auch. Wie ein one-hit-wonder, nur eben ohne Hit. Die Band/das Projekt verliert an Schwung, zerschlägt sich, löst sich auf.

Geduld, Überlegung und Mut, das sind die besten Waffen im Kampfe des Lebens.

In meiner lokalen Szene vor ca 20 Jahre haben wir das ähnlich beobachten können: Eine Band wird gegründet, es wird geprobt, geschrieben und verfeinert. Dann folgt der Gang in’s Studio, ein Album wird aufgenommen. Ein paar Stück werden verkauft, die Band tritt noch zwei, drei mal auf. Und löst sich dann auf. Das gesteckte Ziel war erreicht und der Antrieb lief in’s Leere. Ein nicht unüblicher Fehler, es mangelte an einem neuen Langzeit-Ziel. Doch von Gründung der Band bis zur Auflösung vergingen auf diese Weise meist wenigstens zwei Jahre.

Zur oben genannten erleichterten Verbreitung des künstlerischen Werks hat sich in fast allen Medien ergeben, dass auch die Schwelle zur Produktion massiv gesunken ist. Mit nur geringer Investition können die für die Aufnahme eines wenigstens akzeptablen Albums Notwendigkeiten erworben werden. Das gleiche gilt für die Produktion von Videos oder aufwändigen Illustrationen.

Infolgedessenwird viel mehr und viel schneller produziert und veröffentlicht als je zuvor. Das Resultat sind dabei jedoch leider sehr oft völlig unausgereifte Werke. Hat eine Band sich zuvor noch Jahre zum Songwriting (für ein ganzes Album) Zeit gelassen, passiert so etwas heute in nur wenigen Tagen, bestenfalls Wochen. Denn der Reiz schnell zu veröffentlichen, ist groß.

Das muss nichts schlechtes sein. Häufige Iterationen und frühes Feedback können hilfreich sein. Doch genau dies haben viele Künstler, wohl besonders diejenigen, die mit diesen neuen Möglichkeiten des Internets aufgewachsen sind, selten im Sinn. Und so geraten ihre unreifen Werke an die breite Öffentlichkeit. Zu der anschließend folgenden Antriebslosigkeit (das Ziel, die Aufnahme und Selbstdarstellung, ist erreicht) gesellt sich nun jedoch auch noch das ungefilterte Feedback der gesamten Umwelt. In der Natur der Sache liegt, dass dieses bei unfertigen Werken entsprechend negativ ausfällt. Ein weiterer Stopper für den Künstler.

Was das soziale Netz, „Web 2.0“, so reizvoll macht, scheint somit zugleich eine trügerische Falle zu sein. Ist es nicht in der Regel besser, sich selbst mehr Zeit zu geben, sich zu mehr Reflexion zu zwingen, abzuwarten, zu überdenken? Sicherlich kann man sich seine Kunst auch kaputt denken. Doch einfach mal innezuhalten und durchzuatmen hat in diesem Zusammenhang wohl noch niemandem geschadet.

„Daure aus, mein Bester, und warte die Erfolge Deiner wohlüberdachten Bestrebungen ruhig ab. Geduld, Überlegung und Mut, das sind die besten Waffen im Kampfe des Lebens.“ – Nikolai Abramowitsch Putjatin

Die digitale Paralyse?

Der scheinbar einzige Antrieb bei der Entwicklung neuer Produkte besonders im elektronischen Bereich, scheint das laufende Hinzufügen neuer Features zu sein. Es mag beinahe verwundern, dass das iPhone nicht auch als Rasierapparat taugt – wobei Apple als einer der ganze wenigen Hersteller wenigstens bemüht ist, die Funktionsvielfalt auch für möglichst viele Anwender nutzbar zu halten.

Als viel problematischer sehe ich da unsere mittlerweile beinahe durchweg digitalisierten Gestaltungswerkzeuge. Ob Bild, Ton oder Text: Alles wird per Software er- und verarbeitet. Und diese Umstellung hat zweifelsohne zahlreiche Vorteile mit sich gebracht. Abgesehen von den erweiterten Gestaltungsmöglichkeiten gibt es so praktische Dinge wie „Speichern“ und „Rückgängig machen“ (aka „Undo“). Vertippe ich mich, muss ich nicht das Blatt wegwerfen und vorn vorne beginnen – das ist durchaus effizient. Schon während ich diesen Eintrag schreibe, danke ich innerlich den Entwicklern dieser Systeme mehrfach. Und selbstverständlich ist die Rechtschreibprüfung per Knopfdruck am Ende eine praktische Sache.

Wir berauben uns unserer künstlerischen Aussagekraft.

Aber wie mir scheint, ist der Haken an dieser Entwicklung gewaltig. Die Funktionen werden von Softwaregeneration zu Softwaregeneration vielfältiger, sind mittlerweile unzählbar. Ihr nutzen korreliert dabei oft negativ mit der Anzahl. Adobe, Steinberg, Microsoft und Co aktualisieren im Jahrestakt und das Featurekarussell dreht sich so schnell, dass einem beinahe schwindelig wird. Die Möglichkeiten der digitalen Gestaltung werden also stetig mächtiger und vielfältiger. Ganz abgesehen von der Bedienbarkeit solcher Werkzeuge, sehen sich jedoch selbst erfahrenste Künstler dadurch schnell mit einem neuen Problem konfrontiert: Wahl. Barry Schwartz beschreibt dies in seinem Buch „The Paradox of Choice“ und auch in folgendem Video sehr eingehend:

In unserer Software häufen sich Funktionen und Plugins, die uns alle Möglichkeiten der Welt geben. Und direkt daneben steht die geschätzte „Undo“-Funktion, die jeden Fehltritt vergessen lässt. Nicht zu vergessen die Möglichkeiten, Projekte in verschiedensten Stadien und Varianten zu speichern.

Die Arbeit mit solchen Werkzeugen erfordert eine gewaltige Disziplin, möchte der Künstler seine Arbeit auch einmal abschließen. Welcher Effekt soll es denn nun sein? Schlagschatten oder Farbüberlagerung – oder doch gleich beides? Die Entscheidung fällt vielen immer schwerer. Schlimmer noch: Eine endgültige Entscheidung ist nicht mehr nötig, da ich jederzeit zurückgehen und mein Werk überarbeiten kann. Die Festplatten dieser Welt sind randvoll gefüllt mit unvollendeten Projekten, oftmals in den besagten, verschiedenen Stadien, worauf Dateinamen wie „sonnenaufgang.psd“, „sonnenaufgang2.psd“ und „sonnenaufgang_neu.psd“ schließen lassen.

Wo im Professionellen Bereich noch der Auftraggeber auf ein Ergebnis drängt und dadurch eine Entscheidung erzwingt, ist im Hobbybereich der Künstler scheinbar verloren. Seine Werke werden nie fertig. Wo Ölgemälde noch getrocknet sind und Musikprojekte spätestens durch Neu-Einstellung des Mischpults abgeschlossen werden mussten, wird heute einfach das unfertige Werk gespeichert, vor den zu treffenden Entscheidungen so geflüchtet und etwas Neues angefangen.

Der Künstler betrügt sich um seinen eigenen Fortschritt: Sein Werk wird nicht abgeschlossen, seine Entscheidungen nicht getroffen. Er kann nicht auf seine abgeschlossenen Projekte verweisen, nicht auf die zurückblicken und –viel schlimmer– folglich seine eigene Weiterentwicklung seit dieser Arbeit nicht messen.

Ich denke, durch die vermehrte Entscheidungsunfähigkeit und den Mangel zur Bereitschaft, einen Schlussstrich unter ein Kunstwerk zu setzen, berauben wir uns unserer künstlerischen Aussagekraft.

Und: Ist der einzige Ausweg der Schritt zurück zu analogen Werkzeugen?